Contorsions (2019)

J’ai toujours détesté le mot « incontournable ». C’est comme si le spectateur, le lecteur ou le citoyen voyageait sur la voie ferrée de sa vie et qu’il n’y avait aucun système d’aiguillage pour bifurquer, pour aller ailleurs. Ce mot est un train sans conducteur comme dans le film « Unstoppable » ou « À fond de train » comme on l’a connu au Québec. C’est un mot fataliste qui ne donne aucun choix, aucune possibilité d’action et de décision, et ce même si dans le film le héros arrive à stopper le maudit train. L’incontournable est un mur où l’on ne peut que s’écraser. La chose a déjà été approuvée, contrôlée, examinée, alors il ne reste qu’à foncer. Notre perception n’est qu’une formalité.

Le mot « incontournable » est un dérivé de « contourner », c’est-à-dire de faire le tour de quelque chose. Depuis plusieurs années, on l’utilise pour signifier une chose qu’on ne saurait ignorer. L’Académie française déconseille son utilisation et nous invite à utiliser d’autres mots comme « inévitable » ou encore « indispensable ». Mon aversion pour l’incontournable n’a rien à voir avec le bon usage prescrit par l’Académie. Mon problème c’est de ne pas avoir le choix. C’est de me faire dire que mon discernement, ma perception sont accessoires – que tout est dans le sac. Quelque part, je revendique mon droit à ignorer des choses, surtout si c’est une chose qu’on dit « incontournable ».

Et puis, quelle est cette idée saugrenue qu’une chose soit incontournable? Est-ce que nous sommes des oiseaux devant un miroir? Sommes-nous emprisonnés sous un bocal? N’avons-nous pas de petits marteaux dans le fond de nos poches pour cogner sur le mur de verre qui se dresse autour nous? Le filtre des commentateurs n’est pas une science, c’est un art subjectif et des fois le tir manque la cible, on a qu’à penser à Van Gogh, qui était à son époque très contournable et qui est devenu le plus grand des incontournables.

Image (Library of Congress):
DETAIL VIEW OF COURSING, SOUTH ELEVATION. LARGER ROCKS ARE SCRABBLED TO GIVE THE APPEARANCE OF A FINISHED SURFACE, LOOKING NORTH – Rock Wall, North side of Battle Creek Canyon, Shingletown, Shasta County, CA. Historic American Engineering Record: R P Waller, J H Strutt, Leon Bly David Maul, 1968.

https://www.loc.gov/resource/hhh.ca1756.photos/?sp=6

Starboard (2019)

Keywords: ecocide, whales, society, conscience

The Japanese government lifts the whaling ban and kills two the first day. That is the headline we all woke up to hear. For me, it was like reading that we were at war, that an earthquake had struck, that a bomb had exploded.

How can we consciously decide to get out to slaughter the few whales that are left in the oceans? And for what? How can we do this after having been exposed to all of the awareness campaigns of the last 30 years? After having seen all of the whale movies? Was it all just entertainment, good old fun? Today our conscience is more akin to bling, something that we wear if it matches the rest of our outfit. It seems that we are not capable of becoming aware of any moral principles, incapable of being motivated to act upon them and that we cannot assess our character, our behavior, and ultimately ourselves against those principles. [1] We are the spect-actors of a horrible spectacle, but we still enjoy the drama.

Everything that we have seen and everything that we have believed in is as useless as the trash blowing on a street. Worse, we are the ones throwing the refuse out of the car windows while driving on a scenic route. I am ashamed to be part of it. Yes, I am part of it, we all are. At this moment, we are putting our raincoats and sharpening our harpoons. We are leaving our homes under the cheers of our friends and families. We are going to bring back as many whales as we can. The world has made us monsters roaming the seas, death is our trophy.

And right here, at the antipode of these Japanese killing fields, in our own Gulf of St. Lawrence, scores of whales wash onshore, entangled, hit, rotting. At first, we see a stand-to from the government, imposing a speed limit on vessels in the Gulf. It didn’t take long to hear protests from the shipping, the cruise lines, and the fishing industries. Our vacations, our consumption, and our infinite appetite for seafood are what count here. It is all complicated, they say. For our economy, etc. It has come down to this: to us, wanting things and not giving a damn about anything else. Making payments on a fully loaded F-150 has more value than saving a whale. And our subsequent collective silence is a collective nod to kill the last of every living thing. We are like those who are directly involved, those putting on raincoats and sharpening harpoons.

When the last whale alive will near the end of its life, entrepreneurs will surely seize the opportunity to create an event where seats will be sold and snacks will be served. The chosen few will witness the extinction of that great animal. It will become a handle, a hashtag, an image on Instagram, as it vanishes from our world.

The sea is rough and my shame and my sadness have no weight to hold it back. I am on a dingy, struggling to float beside the larger ships of our modern life.

P.S. A few years ago, the International Criminal Court was considering adding Ecocide to its list of punishable crimes [2]. I am sure that whaling falls into this category.

[1] Conscience, paraphrased from the Stanford Encyclopedia of Philosophy, Mar 14, 2016
https://plato.stanford.edu/entries/conscience/

[2] Proposed amendment to the Rome Statute, Eradicating Ecocide
https://eradicatingecocide.com/the-law/what-is-ecocide/

Image: Cutting up a blue whale | Library of Congress https://www.loc.gov/item/99614373/

Entre le salon et le spa (2019)

Mots clés : hantologie, mémoire, architecture

La mémoire humaine est une vraie passoire et quand cette mémoire est collective les trous peuvent être encore plus gros. Le magazine The Economist publiait récemment un article sur les crues centennales et il semblerait que la mémoire d’une inondation subsisterait le temps d’une génération. Après 25 ans, les habitants d’une région inondée auraient tendance à redescendre vers la plaine inondable. Après deux générations, on aurait reconstruit près des cours d’eau[1].

L’autre jour en marchant sur la rue Lutz à Moncton, j’ai remarqué qu’un spa s’était installé dans l’édifice Tuttle. Ce bâtiment construit en 1929 par les frères Tuttle a été à une certaine époque l’un des grands salons funéraires de la ville. Je me souviens d’avoir vu au début des années 80, de longs corbillards noirs stationnés sur cette rue. Les chauffeurs attendaient solennellement le cercueil et les pleureurs. Aujourd’hui, la tristesse a disparu, elle a été remplacée par la joie que procure ce nouveau type d’établissement aux clients qui aiment se faire dorloter. Je trouve quand même étrange qu’un spa puisse s’installer dans un ancien salon funéraire. C’est plus fort que moi. Le gouffre entre l’embaumement et le rajeunissement me semble impossible à combler. Il faudrait être un cascadeur de la trempe d’Evel Knievel pour aller de l’un à l’autre. Mais cascades mises à part, j’imagine qu’il est toujours possible de faire des rapprochements entre un salon et un spa. C’est vrai, tous les deux s’occupent du corps humain – un corps souvent étendu sur une table – et tous les deux tentent désespérément de repousser les avances du temps, mais…

Mon problème – ce qui m’empêche d’accepter aisément la transformation du lieu – en est un d’intensité. J’ai l’impression que l’aura qui enveloppait le salon devait être d’une telle puissance que sa lumière pourrait continuer d’exister dans le temps et même hanter l’édifice. Bref, que l’énergie du salon mortuaire est dix fois forte que la vigueur du spa !

Mais ce n’est pas le cas. La présence du spa est une preuve que les choses ont changée. Mon hésitation, j’en suis sûr maintenant, doit être ancrée dans ma propre mémoire, dans cette image de corbillards en attente dans cette petite rue monctonienne. Comme les sinistrés des crues centennales, je continue de prendre mes précautions, c’est tout. Il aura fallu attendre une ou deux générations pour que s’effiloche l’auréole d’énergie du salon et qu’on oublie son existence. Mine de rien, le temps avait redonné à l’édifice son innocence primordiale. Après avoir reçu un grand massage thérapeutique, il ouvrait ses portes à un monde nouveau.

[1] Memories of disaster fade fast, The Economist, Science and technology, 17 avril 2019
https://www.economist.com/science-and-technology/2019/04/17/memories-of-disaster-fade-fast

Nous nous assurons que nos artistes ne manquent de rien (2019)

Le journal L’Étoile publiait le 28 mars 2019 un article de Neil Hodge intitulé « Nous nous assurons que nos joueurs ne manquent de rien ». Cet article dévoile ce qui est au cœur du club de hockey les Wildcats à savoir le nombre de rondelles et de bâtons utilisés pendant la saison. J’ai été impressionné par l’ampleur de l’effort et je me suis dit que ça serait fantastique si les artistes de notre province étaient encadrés de la même manière. Je me suis donc inspiré de l’article de Neil Hodge en le transposant dans un contexte artistique.

Merci aux artistes Luc Charette et Marc Cyr d’avoir bien voulu prêter leur nom pour simuler les commentaires des joueurs des Wildcats. Merci également à Neil Hodge qui a écrit l’article et a inspiré ce projet.

Bonne lecture !

XR & Monarch logos (2019)

NB: Thanks to doop for pointing out that the logo for the Extinction Rebellion movement was designed in 2011 by East London artist Goldfrog ESP, and that it is Legendary Pictures that has turned the logo on its side, not the other way around.

For more info:  https://www.logodesignlove.com/the-extinction-symbol

I am a supporter of the Extinction Rebellion movement (XR), but as a designer, I have misgivings about their logo. According to Wikipedia the circle in the XR logo ‘signifies the planet, while the hourglass inside serves as a warning that time is rapidly running out for many species.’

I think that there is a striking similarity between the Extinction Rebellion movement logo and the logo of the Monarch organization. This ‘Monarch’ was created by Legendary Pictures and appeared in the 2014 Godzilla film, and more recently in Kong: Skull Island. I understand that one is an hourglass and the other probably a butterfly, but there is something unsettling when you see them side-by-side.

In the Middle of the Mictlān (2019)

In Aztec mythology, the Mictlān was the region of the underworld where most people went. The belief was that when dead warriors arrived there, they reincarnated as hummingbirds and butterflies.

In the Middle of the Mictlān has been created on the occasion of Jared Kushner being awarded the Order of the Aztec Eagle by Mexico in 2018. This award, the highest given to foreigners, is said to be awarded to individuals who have done a great service for Mexico or for humanity.

The video has been constructed using a series of close-ups of Donald Trump’s mouth, taken during his 2018 State of the Union Address.

VIMEO: https://player.vimeo.com/video/333300148
Password required

Location – Migration (2019)

location, location, location: we are getting closer (May 22-26, 2002), was a portable webcam project carried out as our participation in the Atlantic Cultural Space Conference, Moncton, NB. For the project, we travelled east to the Conference from Calgary, Alberta. Flying into cities along the way, we worked in connection with the artist run centres: Videopool, Winnipeg, Saw Video, Ottawa and EMMEDIA, Calgary. Setting out with a portable/wireless apparatus, we communicated between the centres while conducting street interviews with anyone who wanted to talk about the quality of life in her/his city.

Valerie LeBlanc and Daniel H. Dugas

https://locationlocationlocationwearegettingcloser.wordpress.com/

Jim and I (2019)

My bank went through a rejuvenation treatment also known as a ‘renovation.’ The contractors worked mostly at night and then, the bank closed altogether for a few days. When it came back into the physical world, it was as an open-concept entity.

As far as transformation goes, this was an important re-emergence. The bank is more spacious and brighter, with little restaurant-booths-like stations on the side. I like to think that customers could sit there to dream of cheesecakes and other delights. The only thing missing, it seems, is a Ping-Pong table. But as I waited in line, yes there is still a queue area – a difficult concept to fathom in an open-plan design, I started to think of how strange the whole thing is. What is this openness all about? Is the bank really open, or does it just feel open?

Banks have always thrived on the idea of privacy, of cubicles, of safety deposit boxes and even if the appearance of the bank happens to change, the invisible walls are probably as thick now as they were before. It probably boils down to simple economics; fewer wall surfaces and less maintenance might translate into more profits. All of the above advantages come into play without mention of the fact that an open banking surface becomes easier to monitor. In fact, my bank’s openness might be closer to Jeremy Bentham’s Panopticon than to Frank Lloyd Wright’s pioneering open-plan designs, which “represented the promise of a new social ideal […] that would […] allow egalitarian integration”.[1]

But now, why would a bank – not the most benevolent entity in the world – care about egalitarian integration? I think that by opting for an open-plan layout, my bank was hoping for a magical, sympathetic effect; that seeing the openness of the space; we could automatically assign these perceptions to the bank itself. In short, that we could believe that the bank is as open, generous and honest as the space it occupies.

So here it is, my new bank, based on the foundation of my old bank. A wolf dressed up as a grandmother has opened its doors to welcome me, to do business with me. I wait in a line that is as long as the one before. Then, I notice a smiling clerk getting up and walking toward me. “Hi, I’m Jim, how can I help you today.” It is nice of him to say that, but there is something artificial about our first contact, something uncomfortable. The script will be restated over and over in the coming weeks, months and years. No doubt, it will come to sound more natural. Meanwhile, Jim and I walk to his workstation where he opens his computer. I stand on the side, almost like being in a pub. As I enter my passcode, I realize that it signals the end of all openness. Night has suddenly fallen; the bright sunshine of my bank is no more. We are now moving in a closed-floor-plan, a world of encryption, firewalls and privacy screens.

[1] The Curse of an Open Floor Plan, The Atlantic, Ian Bogost, May 17, 2018
https://www.theatlantic.com/family/archive/2018/05/the-curse-of-an-open-floor-plan/560561/

Fundy (2019)

Fundy
A projet by Valerie LeBlanc and Daniel H. Dugas

Learning that July 2019 marks the 50th anniversary of the Apollo 11 moon landing and the famous quote: “ … one small step for a man, one giant leap for mankind,” we decided to combine our own voyages to capture the spirit of places in and surrounding the Fundy biosphere with this out-of-world historic event.

We set out to explore a wide range of sites within and surrounding the Fundy Biosphere. Our attention was drawn in many directions throughout this multi-season project. Visiting sites in both New Brunswick and Nova Scotia, we began to focus on the various sedimentary rock formations surrounding the Bay. We began to perceive sites with red rock as Martianesque landscapes.

As the project developed, we decided to incorporate the idea of astronaut explorers making observations at specific sites. In essence, Fundy is a project with a focus on nature and human intervention into natural settings. Through it, we have examined boundaries designated by humans and the natural flow moving back and forth through tides, winds, and winged migrations. Through this close-up look at the Fundy biosphere, we observed many of the cycles that are endlessly repeated through time and seasons. Overall, Fundy comments on the value of our planetary home.

The completed project contains 15 short videos. Some photographs have been posted on the website and other composite photographs have been set aside for exhibition during screenings/gallery installations. The videos are currently password protected (to the public) while we apply to screen/exhibit the works.

WEBSITE: http://fundy.basicbruegel.com/

We acknowledge the support of Artsnb.
Nous remercions Artsnb de son soutien.

Compte rendu d’Everglades (2019)

Compte rendu d’Everglades rédigé par Catherine Parayre pour Voix plurielles, la revue de l’Association des Professeur-e-s de Français des Universités et Collèges Canadiens

Lien direct PDF: https://journals.library.brocku.ca/index.php/voixplurielles/article/view/2096/1669

Voix plurielles 15.2 (2018) 259
Dugas, Daniel H. et Valerie LeBlanc. Everglades. Sudbury : Prise de parole, 2018. 181 p.

Sur une invitation de AIRIE (Artists in Residence in Everglades), les artistes
interdisciplinaires Daniel H. Dugas et Valerie LeBlanc partent en 2014 pour le Parc national des
Everglades dans le sud de la Floride. Ils emportent avec eux leur expérience en écriture,
photographie et vidéo ; s’affublent de vêtements les protégeant des moustiques et s’aventurent
dans des marais et marécages sauvages qui gardent pourtant de nombreuses traces de présence
humaine : vieilles voitures, routes défoncées, bâtiments abandonnés et un site militaire hâtivement
installé lors de la crise des missiles en 1962 entre les Etats-Unis et, sur le territoire cubain, l’Union
soviétique, sans compter qu’aujourd’hui le Parc accueille annuellement environ un million de
visiteurs.

C’est dans ce lieu informe et ambigu, où l’eau se mue lentement et abrite une faune
diversifiée, que Dugas et LeBlanc installent leur équipement, observent, documentent et racontent,
produisant tour à tour des vidéopoèmes et des marches sonores. Le somptueux ouvrage Everglades
donne une forme achevée à ce projet de création. Il contient de magnifiques photos, composées et
manipulées de sorte à fondre la fidélité de la reproduction dans l’invention d’environnements
imaginaires. Certaines photos, telle la couverture, évoquent la peinture ; d’autres, la vidéo ; et la
plupart une science-fiction trempée de réalité. Celle-ci est d’ailleurs renforcée par la présence de
photos satellites et d’archives.

En fait, l’intervention humaine constitue le thème commun de ce projet et des textes.
Poèmes en prose, entièrement bilingues, ceux-ci procurent les impressions ressenties dans les
Everglades et témoignent de la peur des animaux – en particulier, de la panthère de Floride
menacée de disparition et, pire, du python birman introduit tardivement et qui prolifère dans les
marécages. Dugas et LeBlanc retracent des marches pendant lesquelles il faut faire attention à ne
pas être blessé, et s’approchent de ruines le long des quelques chemins existants. Leurs textes
rapportent l’expérience des auteurs mais inventent aussi des personnages, par exemple un soldat
venu installer un missile nucléaire durant la Guerre froide. Le recueil est, bien entendu, parcouru
de références aux lieux et à l’implantation humaine, les tenant pour communément connus. Pour
les lectrices et lecteurs, ceci est une aubaine qui les plonge in medias res dans les épaisseurs des
sous-bois et des eaux dormantes, comme si nous étions soumis à un sortilège.

En avant-goût, voici quelques images littéraires sorties du recueil : « Moustiques, mouches
à feu / et papillons de nuit / tombent dans le piège » ; « Nous voilà expert à fracturer le temps / maitre à mesurer le taux de dispersion / la trajectoire de toute chose. » ; « l’alchimie des ruines
provoque une réaction physique si intense qu’une chose profondément enfouie au fond de nous
s’ouvre comme une blessure », ou encore « J’ai vu une ogive nucléaire évidée de sa charge
destructive, placée tel un bibelot à côté du légendaire bouton rouge ». La culture dans laquelle
puisent nos deux auteurs comprend tout aussi bien Henry David Thoreau qu’Andreï Tarkovski
(Stalker) ou Alfred Hitchcock (Psychose). A la fin d’Everglades, les lectrices et lecteurs trouveront
un lien vers les vidéopoèmes et les marches sonores sur lesquels se base l’ouvrage.

Pour nous tous, une aventure immersive.

Catherine Parayre