50/50/50 (2014)

Quatre de mes vidéos font partie de l’exposition 50/50/50. Les quatre vidéos (Évanescence, Glissement, Insomnie et Standard-de-vérité) font état d’un enregistrement, d’une conservation ou d’une restitution de la mémoire. Les images et les textes oscillent entre la présence et l’absence, entre le souvenir et l’oubli. Ce sont les mémoires précaires du dauphin du fleuve du Yangtze, du tigre de Tasmanie et du loup d’Hokkaido; les mémoires fragiles du processus de décoloration des diapositives Kodachrome, de la disparition des versions magnétiques et de l’obsolescence même des médias; les mémoires incertaines de l’inquiétude devant le temps qui ne cesse de serpenter dans l’immensité de l’espace ou encore les mémoires fardeaux des témoins.

MONCTON, le 21 janvier 2014 – Du 29 janvier au 30 mars 2014, la Galerie d’art Louise-et-Reuben-Cohen présentera 50//50//50, sans doute la plus importante exposition d’art acadien dans des conditions professionnelles. Cette manifestation se veut une célébration et une réflexion sur les 50 ans d’enseignement des arts visuels à l’Université de Moncton. En effet c’est en 1963 que Claude Roussel, à qui cette exposition est dédiée, dispensera les premiers cours académiques en la matière. Cette entreprise prendra une grande envergure avec la fondation en 1972 du Département des arts visuels dont sont issus les artistes qui font partie de la présente exposition.

Cette exposition d’une grande diversité s’étend sur plusieurs années, plusieurs médiums et plusieurs pratiques et se veut le reflet de l’effervescence d’un art d’ici en pleine mutation et qui a sans aucun doute, par sa présence et sa nouveauté marqué les 50 dernières années. Le commissaire Herménégilde Chiasson est d’avis que «les arts visuels constituent un témoignage unique et moderne du dynamisme de la culture qui lui sert de tremplin».

L’exposition sera mise en montre à partir du mercredi 29 janvier, mais le vernissage se tiendra le 19 février de 17 h à 19 h, date à laquelle sera aussi lancé le catalogue de l’exposition constitué d’une série de 50 cartes postales comportant la reproduction des 50 oeuvres, de l’information sur les artistes et l’essai du commissaire.

La Galerie d’art Louise-et-Reuben-Cohen est située au 405 avenue de l’Université, dans l’édifice Clément-Cormier, sur le campus de l’Université de Moncton. Les visites sont gratuites et la galerie est ouverte de 13 h à 16 h 30 du mardi au vendredi et de 13 h à 16 h le samedi et le dimanche. Pour plus d’information, veuillez téléphoner au (506) 858-4088, écrire à galrc@umoncton.ca , ou encore, visitez le www.umoncton.ca/umcm-ga. Pour être tenu à jour des activités de la galerie, cliquez sur «J’aime» sur notre page Facebook.

Cette exposition est soutenue par le Programme de résidence d’artiste Casino Nouveau-Brunswick. La Galerie d’art Louise-et-Reuben-Cohen de l’Université de Moncton est appuyée par le Ministère du Tourisme, du Patrimoine et de la Culture du Nouveau-Brunswick.

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Renseignements, images ou entrevues :

Herménégilde Chiasson, commissaire invité : barachoi@nb.sympatico.ca
Nisk Imbeault, directrice-conservatrice : (506) 858-4687 / nisk.imbeault@umoncton.ca
Galerie d’art Louise-et-Reuben-Cohen : (506) 858-4088/ galrc@umoncton.ca

Moncton, January 21 2014 – From January 29 to March 30, the Louise-and-Reuben-Cohen Art Gallery will present an exhibition titled 50//50//50, arguably the most important exhibition of Acadian art in a professional context. The event is a celebration and a return on fifty years of visual art instruction at Université de Moncton. As of 1963, Claude Roussel, to whom this exhibition is dedicated, taught the first academic courses in this field. This endeavor eventually lead to the foundation of the Fine Arts department in 1972 where all of the artists presented in this exhibition have been instructed.

This varied exhibition will feature works from a wide range of eras, mediums and practices, and strives to reflect the effervescence of the ever-changing art in the region that has marked the last fifty years by its presence and innovation. The exhibition curator, Herménégilde Chiasson, states that ̎the visual arts are the reflection of the culture and the dynamism from which it emanates. ̎

50//50//50 will be presented as of January 29, but the opening and catalogue launch will be held on February 19, from 5 to 7 PM. The publication that will accompany the exhibition will feature fifty postcard-sized reproductions of the work, as well as information on the artists and the curator’s essay.

The Louise-and-Reuben-Cohen Art Gallery is located at 405 Université Avenue, in the Clément-Cormier building, on the Université de Moncton Campus. Admission is free and the Gallery is open from 1 pm to 4:30 pm, from Tuesday to Friday, and from 1 pm to 4 pm on Saturday and Sunday. For more information, please call (506) 858-4088, write to galrc@umoncton.ca, or go to www.umoncton.ca/umcm-ga. To receive activity updates from the Gallery, “like” us on our Facebook page.

This exhibition is supported by the Casino New Brunswick Artist-in-Residence Program. The Louise-and-Reuben-Cohen Art Gallery receives funding from the Department of Tourism, Heritage, and Culture of New Brunswick.

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Information, images or interviews:
Herménégilde Chiasson, Guest Curator: barachoi@nb.sympatico.ca
Nisk Imbeault, Director-curator: (506) 858-4687 / nisk.imbeault@umoncton.ca
Galerie d’art Louise-et-Reuben-Cohen: (506) 858-4088/ galrc@umoncton.ca

– See more at: http://daniel.basicbruegel.com/news/#sthash.n5PwA7TB.dpuf

Under New Management – Saint John (2014)

Third Space Gallery presents Under New Management: Straight to Video a curatorial project by Suzanne Carte and Su Ying Lee.

Co-Kisser Festival (2013)

Le festival Co-Kisser a eu lieu le 19 octobre 2013 à Minneapolis-St-Paul dans l’auditorium du Minnesota College of Art and Design (MCAD). Ma vidéo Glissement faisait partie du programme Soul on the Road – Physics, Math, and Memory.

Glissement est une œuvre qui s’interroge sur la mémoire et l’oubli par le biais d’images héritées de mon oncle Camille. Cet oncle était un organiste de talent, un photographe avide et un homme très privé. Après sa mort, ses photographies et ses diapositives ont été distribuées aux membres de la famille. J’ai reçu des images de Madrid, de Rome et de Paris, mais il y avait peu de contexte pour le matériel. On ne savait pas exactement qui peuplait toutes les images. Alors que la plupart d’entre elles avaient une qualité touristique, d’autres étaient plus personnelles. J’ai remarqué que certaines des couleurs commençaient à s’estomper. Son passé, que personne ne pouvait expliquer, disparaissait lentement. Bientôt, il ne resterait rien. J’ai commencé à superposer les images, à les doubler en espérant leur redonner une nouvelle vitalité.

Immédiatement après la projection du programme j’ai participé avec 3 autres vidéastes à une table ronde qui était centrée autour de la question « Pourquoi choisir la poésie vidéo comme moyen d’expression ». Question intéressante et d’actualité, car la vidéo-poésie est un genre de cinéma/vidéo qui a connu un regain d’intérêt au cours des dernières années. Beaucoup de nouveaux festivals, qui se spécialisent dans ce genre, sont apparus un peu partout dans le monde et il y a maintenant un réseau international d’organisations[1]. Selon Jen March, la directrice du festival, le nom Co-Kisser serait une métaphore pour exprimer l’étreinte entre les mots et les images. Une action et une liaison ; étroite et intense. Les œuvres qui ont été présentées dans le cadre de cette troisième édition étaient à l’image de cet embrassement : hybrides, pluriels et souvent expérimentales.

Je remercie artsnb pour leur aide financière qui m’a permis de me rendre à Minneapolis-St-Paul afin de prendre part aux activités du festival. J’y ai fait de belles rencontres et l’énergie, je devrais dire la synergie, continue de vibrer.

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[1] Aux Etats-Unis on retrouve, bien entendu, le festival Co-Kisser mais aussi un autre très récent qui vient de s’établir au Colorado :  The Body Electric Poetry Film Festival.

IDENTICUS (2013)

Mots clés : marketing, atavisme, design, mèmes

Les images qu’on nous propose se ressemblent toutes, elles ont quelque chose de familier, des traits communs. C’est tellement étonnant qu’on pourrait penser que l’ensemble du patrimoine visuel est créé par une seule et même personne. Atavisme vient à l’esprit, mais est-ce possible? D’où vient donc cette profusion de pieuvres, de lapins, de fantômes ou de chevelus géants qui envahissent toutes les surfaces, tous les écrans de notre monde moderne? Quel est le dessein de toutes ces ressemblances? Est-ce que ces images sont apparues simultanément comme des représentations emblématiques de ce que nous sommes, comme des vérités impossibles à écarter ou sont-elles des inventions mercatiques? Est-ce que l’universalité qui les imprègne est une faim qui les force à dévorer tout ce qui pourrait les mettre en danger, tout ce qui nous entoure?

Nous sommes devenus, grâce aux agences de marketing, un seul et unique souffle, un seul geste, mus par le même désir et le même rêve. Et c’est toujours le même geste, le même discours, la même idée qui passe devant et repasse derrière. Le sentiment d’avoir déjà vu, d’avoir déjà compris renforce non seulement notre dépendance et notre attirance vers l’objet, mais aussi notre joie d’exister dans l’objet. C’est ce qu’on appelle un développement continu des sentiments ou plus communément : un courant. L’eau passe devant nous et nous emporte jusqu’au bas de la vallée puis dans l’océan. Et nous voilà tous réunis dans cette grande mêmeté [1], dans cette étrange solitude d’être ensemble, où la suite des idées impose béatement ses variations. Un naufrage dans deux gouttes d’eau.

Combien de fois allons-nous nous retrouver devant la même illustration, devant le même design, le même site web avant de suspecter la noyade ou l’étranglement?

Daniel Dugas
Le 12 juillet 2013

 

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Illustration ci-dessus, de gauche à droite : annonce de iPad, Sydney Au, (juin 2013), My Dream de Josh Holinaty et The Tar Pit Creature d’Alex Mathers.

 

Voir aussi les illustrations ci-dessous, de gauche à droite, image de la bande-annonce ‘The River Eats’ de Justin Shoulder publiée en 2013 dans le magazine ‘Real Time 115-33′ à côté de l’image de Matthew Barney dans le rôle de l’apprenti dans la série de films ‘Cremaster Cycle’ (1994–2002) ainsi que l’image des fantômes et les ‘Happy Faces’ de Luke George qui a été publiée dans le même magazine et qui est ici juxtaposée avec les fantômes d’Olaf Breuning (2004) :

[1] D’après le Littré, Mêmeté est un mot qui a été proposé par Voltaire en place du mot scientifique identité, mais qui n’a pu s’établir. Je l’utilise plutôt dans le sens de mémétique. Voir memetique.org: Mème (Dictionnaire d’Oxford) : élément d’une culture susceptible d’être transmis par des moyens non génétiques, notamment l’imitation.

Cafe Poet at the Blackwattle Cafe (2013)

I am very happy to announce that the Blackwattle Cafe will be hosting my cafe poet residency! It is an amazing place located directly on the Blackwattle Bay, Sydney Harbour. The house was formely known as the Bellevue.

I will be at the cafe twice a week starting on Wednesday, May 1st!

Here is the website for the project: http://dhdugas.tumblr.com/

THE SPIRIT OF THE TIME
A colour based text & image project by Daniel Dugas

The existence of colours precedes classification and human evolution on this planet. Sunsets were red and leaves were green long before their hues could be expressed in words. Colours are defined by pigmentation; a blue pigment is blue because it absorbs all of the colours except blue. Unlike pigments, words carry elements of realities but also aspects of fictions, of possible futures, as well as colour. Words are the vehicles that move the emotions, the symbols of our desires and our hopes, the emblems of our determination to face reality and trials. The names of colours are cultural reflections of certain moments in a timeline. They express the way we were, the way we are; THE SPIRIT OF THE TIME: the Zeitgeist, or the way we would like to be tomorrow.

Pantone, a corporation known for its colour systems and technology for design industries, understands this very well. In 2000, it inaugurated its Color of the Year program. This annual affair, rooted in marketing and mercantilism, has become a major influence on fashion. As a follow-up to 2011’s Honeysuckle, ‘a vibrant reddish-pink, perfect to ward off the blues’, Pantone Color Institute announced that Tangerine Tango had been selected to be the 2012 Color of the Year, ‘This spirited reddish orange, continues to provide the energy boost we need to recharge and move forward.’[1]

THE SPIRIT OF THE TIME will be a transmutation of the marketing landscape into a poetic landscape. By using commercially available color palettes as base material – swatches from Pantone, Martha Stuart, Behr, Sherwin-Williams and others – I intend to create a series of haiku-like short texts. Questions of subversion versus established social order is at the root of the project. From the collision of what is transmitted and what is received I would like to examine the fragile reality of existence in which we live. What can be said of colours with names such as Gypsy Moth, Powder Puff or Chocolate Cosmos?[2]

RESIDENCY AND EZINE
This project will be developed in the framework of a residency. I have been invited by Australian Poetry to participate in a six months residency through their Café Poet Program. This writing residency is for six months, from May 2013 to October 2013.

I have also been invited by JUICYHEADS, a New York based ezine / website, to be one of their poetry columnists. I will be contributing texts from THE SPIRIT OF THE TIME every two weeks for the duration of the residency.

WRITING PROCESS
I plan to write in one or the other of either French or English and to translate the texts to create a bilingual body of work. I envision my writing process to be divided into four steps:

1. Pick a pigment-sample from a colour palette.

2. Find an example in the city (Sydney) or the surrounding area of a colour that closely resembles the chosen pigment-sample. Take an image of the location as a mnemonic device.

3. Write a text at the Blackwattle Cafe.

4. Translate the text.

[1] http://www.pantone.com/pages/pantone/category.aspx?ca=88

[2] Sample colours from Complete Paint Palette – Martha Stewart Living

Under New Management – Video Store (2013)

I am happy to be part of the Under New Management – Video Store project (March 7 – April 12, 2013), which opens tomorrow at the Odd Gallery in Dawson, YK. I have a few titles included in the show: The Walls Have Ears (2002), Easy Not Easy (2004) , Slide (2012), Standard de vérité (2012), Insomnia (2012), Évanescence (2012), Gull (2011)  and Camille, Andrew, Katrina et Cie (2009). Good luck with the opening!

The following is from: : http://kiac.ca/oddgallery/exhibitions/

Frankly, we’re not your typical video store. Far from it! In fact, Under New Management is a virtual entertainment funhouse allowing you to pay-what-you-wish. We have many rare titles and a unique rental policy!

Video Store is a gallery exhibition that takes the form of a video rental store. The project employs the characteristics of the retail environment to connect to the local community while, challenging the gallery’s role as an intermediary that delimits the viewer’s direct access to art. Video titles in stock are artists’ works procured through an open call for submissions . “Customers” are asked to pay what they wish, which can be interpreted as cash, a non-monetary exchange, critique, or no remuneration. This facet is in place as an experimental form of engagement, where artists have the opportunity to receive responses directly from viewers. In turn, the viewer has an uncommon channel to the artist. In addition to payment, rental and return are also on an honour-system basis to remove barriers that exist due to membership requirements, deposits, and return policies at commercial ventures.

Including video works by: Alleyway A.G., Artlitwell, Perry Bard, Aleks Bartosik, Steve Basham, Sarah Beck, Ashley Bedet, Simon Belleau, Stephane Boutet, Theodore Boutet, Pierre Chaumont, Millie Chen, Michèle Clarke, Eva Colmers, Claro Cosco, Sarah DiPaola, Robert Dayton, Zoran Dragelj, Daniel Dugas, Megan Dyck, Caz Egelie, Clint Enns, Sky Fairchild-Waller, Simon Frank, Lisa Folkerson, Sarah Fortais, Kandis Freisen, Stephen Paul Fulton, Daniel Gallay, Paul Gordon, Shlomi Greenspan, Keeley Haftner, Martin Hamblen, Ursula Handleigh, Sienna Hanshw, Mike Hansen, Paul Harrison, Mathew Hayes, Stefan Herda, Karen Hibbard, Candice Irwin, Felix Kalmenson, Eva Kolcze, Apostoly Peter Kouroumalis, Toni Latour, Anastasia Lognova, Christopher Lacroix, Valerie LeBlanc, Renee Lear, Melanie Loew, Duncan MacDonald, Adrienne Marcus Raja, Lyla Rye, Mani Mazinani, Penny McCann, Arlin McFarlane, Kristine Mifsud, Gordon Monahan, Caroline Monnet, Didier Morelli, Grey Muldoon, Midi Onodera, Juan Ortiz-Apuy, Ryan Park, Jason Penney, Iqrar Rizvi, Jade Rude, Matthieu Sabourin, Liana Schmidt, Olivia Simpson, Tom Smith, Leslie Supnet, Maya Suess, Laura Taler, Aislinn Thomas, Peter Von Tiesenhausen, Carolyn Tripp, Carmen Victor, vsvsvs, Ellen Wetmore, Elinor Whidden, Oauk Wiersbinski, Damien Worth, Robert Zverina… and many more!

UNDER NEW MANAGEMENT (UNM) is comprised of the curatorial team Suzanne Carte and Su-Ying Lee, a collective of cultural producers working in contemporary art. Operating as a mutable entity, UNM re-invents roles and shifts boundaries to inspire production and engagement. Collaboration with new and experimental strategies is at the forefront of their practice.

Suzanne Carte is an independent curator and critical art writer. Currently, she works as the Assistant Curator at the Art Gallery of York University (AGYU) focusing on an integrative model to utilize public programming as a pedagogical tool within the academic institution. Previously she held positions as outreach programmer for the Blackwood Gallery and the Art Gallery of Mississauga and as professional development and public program coordinator at the Ontario Association of Art Galleries. She is on the Board of Directors of C Magazine, an international art quarterly devoted to promoting critical discussion about contemporary art. Within Suzanne’s independent practice, she has curated exhibitions in public spaces, artist-run centres, commercial and public art galleries including All Systems Go!, Under New Management, MOTEL and Man’s Ruin. Suzanne recently completed her Masters of Contemporary Art at the Sotheby’s Art Institute in New York City.

Su-Ying Lee is the Assistant Curator at the Museum of Canadian Contemporary Art (MOCCA) and most recently completed a one-year curatorial residency at the Justina M. Barnicke Gallery, funded by the Canada Council for the Arts. Lee has both institutional experience and a number of independent projects to her credit. She has curated exhibitions that include the work of Kent Monkman and Lawrence Weiner and commissioned the work of Harrell Fletcher and Wendy Red Star. Her curatorial practice has been steadily evolving into the expanded field. Lee is interested in the role of curator as co-conspirator, accomplice and active agent. She seeks new ways to mobilize art, audiences and context.

Klondike Institute of Art and Culture

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Propos sur l’écriture et la typographie, Michel Butor

Compte rendu
Propos sur l’écriture et la typographie, Michel Butor
Communication et langages. Nº 13, 1972, pp 5-29

Mots clés : typographie, structure, objet, modulation, mouvement, graphie, lecture

Propos sur l’écriture et la typographie est une transcription de l’enregistrement d’une causerie donnée par Michel Butor dans le cadre des Rencontres Internationales de Lures en 1972. Ces rencontres dédiées au questionnement typographique et à la culture graphique ont été créées en 1952 à l’initiative du théoricien de la typographie française Maximilien Vox.

Michel Butor, un des auteurs associés au Nouveau Roman, est un poète, romancier et essayiste français né en 1926. Son premier roman Passage de Milan a été publié chez Gallimard en 1954. Il rompt avec la forme romanesque en 1960 et publie quelques années plus tard Mobile, étude pour une représentation des États-Unis où il expérimente la mise en espace du texte. Cet auteur expérimental a écrit sur la peinture et a créé avec des peintres plusieurs livres d’artistes. Il vit à Lucinges, près de Genève.

Un lien essentiel

Le lien entre la littérature et la typographie est essentiel, puisque le rôle de la typographie est d’imager le texte, de lui donner un corps. Nous vivons dans des sociétés où le texte et la typographie sont omniprésents. Si nous sommes assaillies par le texte, nous sommes aussi interpellés par la forme qui le soutient. Butor conçoit le texte comme un objet qui aurait un fonctionnement similaire à l’objet symbolique introduit par les surréalistes[1]. C’est-à-dire qu’il ne serait pas là pour sa valeur esthétique, mais pour provoquer un sens nouveau. En disposant les objets / textes sur la page ou dans le livre, Butor met en place un système où le lecteur peut créer son propre sens.

Pour ce faire, il utilise la typographie non-choc, c’est-à-dire une typographie qui se développe sur un mode de lenteur et qui s’oppose à une forme plus rapide, plus brutale, souvent utilisée par la publicité. Son but n’est pas d’épater, mais de donner au lecteur un système et des structures de lecture. Le lecteur pourra faire des choix et recomposer comme il l’entend le texte de départ. Un lecteur curieux pourra donc lire un texte plus complexe qu’un lecteur moins curieux. Butor est toutefois conscient que l’énergie engendrée par cette multitude de possibilités pourrait échapper à certains lecteurs, mais c’est un risque qu’il est prêt à prendre.

« Le mot est visuel aussi »

Le projet de Michel Butor est de réaffirmer la valeur visuelle du texte sans toutefois amoindrir ses qualités auditives. Ses livres, même s’ils ont « un aspect auditif sont toujours mis en relation avec les aspects visuels ». Même le texte radiophonique « lieu d’expérience le plus éloigné du livre » devient pour Butor un défi d’écriture et d’expérimentation visuelle. La stéréophonie d’un texte, comme celui des 6 810 000 litres d’eau par seconde, s’exprime visuellement sur la page avec un dialogue à gauche et un autre à droite. Il est intéressant de noter dans Propos sur l’écriture et la typographie les innombrables retours à l’audible. Butor revient constamment à l’ouïe, à l’audition, à la musique, à la perception des sons. Ce n’est pas une opposition, mais plutôt une affirmation d’une relation intime qui existe entre ces deux modes :

Quant à la question : « Faut-il lire auditivement ou visuellement ? », eh bien ! le développement des techniques audio-visuelles nous montre bien que l’acte de lecture […] était à la fois auditif et visuel. Les deux façons sont toujours liées.

Le type de lecture est influencé par le type de structure du livre. Certains livres sont faits pour être lus d’un bout à l’autre (les romans par exemple), alors que d’autres, plus visuels, ne sont pas faits pour être lus d’un seul trait. Pensons aux dictionnaires, aux guides et même aux annuaires téléphoniques que Butor qualifie de « chef-d’œuvre méconnu de la civilisation occidentale ». Le désir de Michel Butor est de créer à l’intérieur du texte une mobilité, un mouvement, et la typographie est l’instrument privilégié « qui détermine la manière dont l’œil est dirigé dans la page ».

Pour Butor l’écriture est une véritable expérience tridimensionnelle. Elle se compose de trois vecteurs : un premier horizontal, un second vertical et un troisième perpendiculaire. Ces trois axes rappellent les coordonnées du plan, c’est-à-dire la hauteur, la largeur et la profondeur. Cette terminologie prend tout son sens lorsqu’on réalise que le « volume » est aussi bien un ouvrage, un texte imprimé qu’une portion de l’espace à trois dimensions : « […] Le livre n’est pas une surface, c’est un volume qui a des propriétés particulières et dont on tourne les pages […] ». Si la coordonnée de la profondeur crée le relief, celle de la perpendicularité créerait une mobilité, une possibilité :

Dans tous mes livres, il y a cette possibilité de mobile littéraire intérieur à la physique du livre et étudié à partir de toutes sortes d’ordres.

Des modulations et de la musique

Butor revient souvent, lorsqu’il parle de l’écriture, à l’analogie de la musique. Il parle du disque, de la radio, de l’opéra, de l’expérience auditive, de la stéréophonie : « […] Je rêve de pouvoir utiliser bien mieux cet « orchestre » dans lequel chaque caractère est un timbre […], il y a là un phénomène comparable à ce qu’on appelle en musique un contrepoint […], j’aurais une accélération du tempo […] », etc. Pour Butor, la typographie est le rythme de l’écriture, elle insuffle un mouvement, elle scande le texte. L’écriture sérielle, des réserves de textes qu’on trouve dans Description de San Marco, ressemble à des séances d’improvisation jazz[2]. Les structures sont ici des pistes de lecture. Le lecteur délaisse son rôle passif d’auditeur pour devenir musicien : il doit interpréter la partition et choisir un chemin. 

« Une géographie de la page »

La typographie est un véritable voyage et Michel Butor risque l’aventure. La boîte à outils[3] de la typographie est constituée d’une multitude d’éléments et Butor, qui favorise une mise en page simple, l’utilise efficacement. Il fait l’inventaire des possibilités qui s’offre à lui : polices de caractères, regroupement des corps et graisse, alinéas, blancs, annotations, coupures du texte et cadrages qui en résultent. Les marges proposent une panoplie de possibilités. Butor utilise dans Mobile cinq marges différentes créant plusieurs degrés de lecture. Le titre courant est un autre élément polyphonique utilisé par l’auteur. Tous ces éléments modulent le texte et le mettent en mouvement à tel point que Butor ne parle plus de blanc « […], mais de gris typographique ».

Sa stratégie est simple : maximiser l’effet en minimisant les coûts. Il faut utiliser les ressources « gigantesques » de la typographie le plus habilement possible afin de permettre une plus grande variété tout réduisant les coûts pour l’éditeur. Cette économie de moyens il l’obtient en utilisant : « […] uniquement un caractère, dans un seul corps, mais avec ses variétés classiques telles que grandes capitales, petites capitales, minuscules et italiques… c’est tout ! ».

Cette organisation du texte, ce jeu sur la matérialité du livre, donne « […] tout un champ de possibilité de lecture ». Les codes graphiques varient d’un genre à l’autre. Différentes techniques et structures produisent différents sens et différentes lectures.

En avant la musique !

Si les structures mises en place par Butor remettent en questions nos habitudes de lecture, elles permettent également de recadrer les modes de fabrication du livre et les choix éditoriaux qui les façonnent. Butor se penche sur la problématique de la dépendance de l’auteur par rapport aux modes de production et les difficultés d’autonomisation vécues au début des années 70. Évidemment, les choses ont bien changé. Les développements technologiques et l’apparition du livre électronique permettent aujourd’hui une plus grande flexibilité de création.

Nous avons, presque à notre insu, glissé dans le monde de possibilités dont rêvait Michel Butor :

Je rêve de pouvoir utiliser bien mieux cet “orchestre” dans lequel chaque caractère a un timbre, exactement comme un instrument de musique. À ce moment-là, des caractères nouveaux pourraient introduire des instruments nouveaux, des sentiments nouveaux, comme les instruments de musique le font dans l’orchestration.

Daniel Dugas 12 février 2013

 PDF (217kb)

Props 4 sale (2012)

for info:
Hand Snake Puppet for sale: http://www.facebook.com/media/set/?set=a.404485006291901.94333.100001912140417&type=1

Grey Caveman costume for sale: http://www.facebook.com/media/set/?set=a.404484182958650.94331.100001912140417&type=1

Papier maché ear for sale: http://www.facebook.com/media/set/?set=a.404477992959269.94325.100001912140417&type=1

Caveman costume for sale: http://www.facebook.com/media/set/?set=a.404456249628110.94317.100001912140417&type=1

4e festival international de vidéopoésie “por la tierra” (2012)

Evanescencia a été sélectionné pour faire partie du 4e festival international de vidéopoésie POR LA TIERRA. L’événement, organisé par VideoBardo, aura lieu à Buenos Aires en Argentine du 27 novembre au 2 décembre 2012. La traduction est de Maria Fernanda Arentsen, que je remercie ici chaleureusement.

Évanescencia  (2012) 2:28 min

Synopsis : Quelle est cette épouvante, cette épouvantable époque d’évanescence dans laquelle nous vivons ? Tout s’efface rapidement, brusquement. Ce qui s’était posé devant le regard avec tant d’effervescence s’est enfui presque instantanément, a disparu en nous touchant.

Sinopsis: ¿Qué espanto es éste, espantosa época de evanescencia en que vivimos? Todo se disipa rápidamente, bruscamente. Lo que se había posado ante la mirada con tanta efervescencia huyó casi al instante, desapareció tocándonos.

Liste de la sélection

08 OCTUBRE 2012 (from: Videobardo)

Resultados Convocatoria Internacional de Videopoesía – VideoBardo 2012 / Results of International Videopoetry Open Call – VideoBardo 2012
Videos seleccionados para la programación del IV Festival Internacional de Videopoesí­a “por la Tierra”, del 27 de noviembre al 2 de diciembre 2012 en Buenos Aires (Argentina) /// Selected videos for the IV International Videopoetry Festival “for the Earth”, Buenos Aires (Argentina) from 27th november to 2nd december 2012

Por orden alfabético / In alphabetical order

– Alberto Roblest (Mexico), “Pulgarcito”
– Alisson Sbrana (Brasil / Brazil), “Profana Vía Sacra”
– Andrea Pagnes & Verena Stenke (Italia & Alemania / Italy & Germany), “Sin fin”
– Ángel Pastor (España / Spain), “Caigudes”
– Antonio Alvarado (España / Spain), “Mujeres fumadoras”
– Antonio Alvarado (España / Spain) “Mujer de materia gris”
– Art al Quadrat (España / Spain), “Sanación”
– Avanca – Carlos Silva (Portugal), “Terram, terra e mar”
– Bárbara de Azevedo (Brasil / Brazil), “Macro sobrevivencia”
– Bartolomé Ferrando (España / Spain), “Xifres”
– Blick (Francia / France) “Merci”
– Bridget Sutherland (Nueva Zelanda / New Zealand), “Twelve hours of daylight”
– Carola Reboredo (Argentina), “Challwa”
– Caterina Davinio (Italia / Italy), “The first poetry space shuttle landing on second life”
– César Espino Barros (Mexico), “Mystic Sex”
– Daniela Novoa Mahecha (Argentina), “Agua”
– Daniel Dugas (Canada), “Evanescencia”
– Danny Winkler & Emilia Loseva (Inglaterra & Rusia / UK & Russia), “Twelve haikus in lethargy”
– Diego Fiori (Italia / Italy), “Rebus”
– Dier (España / Spain), “Todos esos momentos se perderán”
– Eduardo Romaguera (España / Spain), “Pez”
– Eduardo Romaguera (España / Spain), “Captcha”
– Erdem Şimşek (Turquía / Turkey), “Remaining birds song”
– Erena Tarha (España / Spain), “Sueño tierra”
– Fausto Grossi (Italia / Italy), “Everything is possible… do it”
– Federico Tinelli (Italia / Italy), “Extra Heimat”
– Fiona Tinwei Lam (Canadá), “Aquarium”
– Fundación Hölderlin (Argentina), “Empédocles”
– Fundación Hölderlin (Argentina), “Las aventuras de Gatucho”
– Gabriela Alonso (Argentina), “Aguas del Rí­o de La Plata”
– George Aguilar (EE.UU. / USA), “Elegantly forbidden”
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– Gustavo Schwartz (Argentina), “Madrecita”
– Gustavo Schwartz & Liliana Lukin (Argentina), “Lo que goteas”
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– Jakob Kirchheim & Teresa Delgado (Alemania / Germany), “Terrorsounds”
– Jan Peeters (Bélgica / Belgium), “Meine heimat”
– John Bennet & Nicolas Carras (EE.UU. & Francia / USA & France), “4 short pieces”
– Jorge Daffunchio (Argentina), “Mímesis”
– Jorge Daffunchio (Argentina), “OK John, Paul… lo hice”
– Karina Vasquez, Paula Balfagon & Diego Gómez (Argentina), “Tiempo y diálogo”
– KirsiMarja Metsähuone (Finlandia / Finland), “Roam”
– Lisi Prada (España / Spain), “Un minuto de tregua”
– Lola López-Cózar (España / Spain), “Principios”
– Lucas Turturro (Argentina), “Cubicaja o del encierro”
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– Mar Garrido (España, Spain), “La casa de la playa”
– Mark Sutherland & Paul Giaschi (Canadá), “The Abysmal Legacy of Metropolis”
– Markus Keim (Austria), “Vanishing Point”
– Mónica Barros (Chile), “Subtodo”
– Muriel Montini (Francia / France), “Les jeux d’énfants”
– Natalia Rizzo & Eduardo Basualdo (Argentina), “Un par de cositas nuestras”
– Natalija Ž. Živković (Serbia), “Inbreathe 2″
– Natalija Ž. Živković (Serbia), “The science about the street”
– Nicola Frangione (Italia / Italy), “Incorporalitá”
– Olga Tzimou (Grecia / Greece), “You cannot be known”
– Protasia & Agripino (España / Spain), “Las islas”
– Rafael Álvarez Domenech (Cuba), “Azelvizaje”
– Rafael Álvarez Domenech (Cuba), “Para Performance”
– Rafael Álvarez Domenech (Cuba), “Sin Título”
– Rainer Junghanns (Alemania / Germany), “GMT + The voyage in sequences”
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– Roberto Sechi (Brasil / Brazil), “H mudo”
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– Rodolfo De Matteis (Italia / Italy), “Oda a la Tierra”
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– Sarah Tremlett (Inglaterra / UK), “She / Seasons / Contemplating Nature”
– Slawomir Milewski (Polonia / Poland), “Ecstasy of St. Agnes”
– Sonia Bertotti (Argentina), “Puntada”
– Susanne Wiegner & Robert Lax (Alemania / Germany), “Just midnight”
– Tom Konyves (Canada), “All this day is good for”
– Video Out – Jennifer Campbell (EE.UU. / USA), “Precipitate”
– Video Out – Jennifer Campbell (EE.UU. / USA), “Point no point”
– Wei-Ming Ho (Taiwan), “The Art-Qaeda Project”
– Yael Rosenblut (Chile), “Escena pasional del arte”

Une Chance (2012)

Ce texte a été écrit dans le cadre des consultations publiques du Renouvellement de la politique culturelle 2012 au Nouveau-Brunswick.

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Un artiste ne peut attendre aucune aide de ses pairs.
Jean Cocteau

Les artistes sont les juges compétents de l’art, il est vrai, mais ces juges compétents sont presque toujours corrompus. Un excellent critique serait un artiste qui aurait beaucoup de science et de goût, sans préjugés et sans envie. Cela est difficile à trouver.
Voltaire

Si ces deux citations évoquent un certain malaise, la situation actuelle de l’artiste et de l’art pourrait être beaucoup plus sérieuse qu’on ne le pense. Les arts, quoiqu’on en dise, ne sont pas nécessaires à la survie de l’humanité. Ils sont peut-être indispensables à la survie de certains individus, j’en conviens et j’en suis un pour qui l’importance de l’art est essentielle, mais l’humanité est très peuplée. On se rappellera que les arts et la créativité se trouvent au sommet de la fameuse pyramide des besoins d’Abraham Maslow [1], si le sommet est une position enviable, la vue y est très belle, c’est malheureusement la représentation du besoin le moins pressant à combler. L’art semble être au-dessus, mais se trouve derrière les besoins d’appartenance, les besoins de sécurité du corps et de l’emploi, derrière les besoins physiologiques; manger, boire, dormir, respirer. Cette affirmation peut sembler cruelle, surtout pour les artistes qui persistent à créer contre vents et marées, mais elle reflète une cruelle vérité.

La beauté de la chose et la difficulté de la chose, c’est que les artistes feront ce qu’ils ou elles pensent devoir faire. On parle de vocations, de penchant impérieux qu’un individu ressent pour une profession. Quoi qu’on en dise, un artiste n’est pas comme un agent d’assurances, un analyste financier, un anthropologue, un anesthésiste réanimateur, un archéologue, un avocat, un cardiologue, un charcutier, un chef cuisinier, un concierge, un conseiller en toxicomanie, un démographe, un dentiste, un dynamiteur, un directeur du marketing, un économiste, un électricien, un facteur, un géologue, un historien de l’art, un infirmier, un ingénieur minier, un journaliste, un linguiste, un mathématicien, un négociateur en bourse, un pharmacien, un sapeur, un technicien en construction aéronautique, un téléphoniste, un traducteur ou un zoologiste. L’artiste est le seul qui soit prêt à faire son devoir sans rémunération. Personne d’autre n’est prêt à commettre une telle bêtise, aucune autre profession n’offre ça.

Il n’y a pas si longtemps un artiste qui exposait son travail dans une galerie s’attendait à recevoir un cachet CARFAC pour sa participation [2]. Ce temps est révolu, et ce même s’il y a une campagne publicitaire qui circule sur la toile et qui trompette : Je suis un artiste, ça ne veut pas dire que je travaille gratuitement. La fanfare perd un peu d’ardeur lorsqu’on réalise qu’en octobre 2011 la campagne de réélection de Barack Obama lançait un appel d’offres invitant des graphistes à faire don de leurs dessins pour une affiche [3]. Il y a de plus en plus d’artistes qui sortent des écoles d’art, toujours plus nombreuses, de plus en plus de demandes de bourses, d’expositions, de plus en plus d’effervescence. Ce bouillonnement d’activités coïncide avec l’émergence d’une nouvelle sensibilité de partage; on n’a qu’à penser aux conditions de réutilisation ou de distribution d’œuvres, établies par Creative Commons [4] ou encore le phénomène de l’externalisation ouverte (crowdsourcing) [5] . Dans le fond tout ça c’est excellent, le problème c’est que les administrations ne vont pas toujours au même rythme que les administrés. Comment rationaliser, comprendre d’une manière cohérente et logique la dynamique de développement d’un centre d’artiste autogéré qui reçoit plus de 200 demandes par année alors qu’il n’offre que 3 expositions ! Quelles sont les possibilités qui s’offrent aux artistes émergents ou encore à ceux et celles qui réémergent ? Nous vivons dans une société de concurrence et les arts font face à la même musique, à la même folie. La réalité, c’est qu’un artiste est maintenant heureux, bienheureux de participer à un événement, de faire partie d’une exposition, et ce même s’il n’y a pas de cachet, car on le sait maintenant, l’invisibilité tue.

Que peut-on faire devant une telle réalité ? Investir plus d’argent dans les arts ? Sûrement, c’est une solution, mais là n’est l’objet de mon intervention. Ce que j’aimerais suggérer ici, ce n’est pas une augmentation des budgets, c’est l’introduction d’un élément de flexibilité, de spontanéité dans le lourd appareil bureaucratique de l’administration des arts. Pour ceux et celles qui ont participé à un jury ou pour les agents des Conseils des Arts, il est évident que ce n’est pas toutes les bonnes demandes qui reçoivent des bourses. Il est toujours malheureux, en fait déchirant, de voir des projets de très grandes qualités tomber dans l’oubli et la négation. La solution que je propose est la suivante : que les Conseils des Arts réservent un pourcentage du budget total d’un jury, d’une compétition ou d’un programme, disons par exemple de 5 % d’un budget de 140,000 $ (7,000 $) et qu’ils procèdent à un tirage au sort avec les demandes qui se sont distinguées, mais qui n’auraient pas reçu de bourse. Cette façon de procéder ne réglerait pas tous les problèmes qui existent, mais donnerait la chance à quelqu’un qui n’en aurait pas eu. Cette chance me semble être quelque chose d’essentiel. Cocteau et Voltaire l’ont bien remarqué. Si les artistes ne peuvent pas toujours compter sur leurs pairs pour les aider, le hasard pourrait s’en charger.

Daniel Dugas
Moncton, 26 septembre 2012

Daniel Dugas porte plusieurs chapeaux, une calotte de poète, un bonnet de vidéaste, une casquette de musicien et un feutre de graphiste. Son travail est visible à www.daniel.basicbruegel.com

[1] Site officiel de Abraham Maslow: http://www.maslow.com/
Wikipédia Abraham Maslow: http://fr.wikipedia.org/wiki/Abraham_Maslow
[2] CARFAC: http://www.carfac.ca/
[3] Rolling Stone Magazine, TIM DICKINSON, Obama Solicits Designers to Work – Unpaid – on … Jobs Poster! http://www.rollingstone.com/politics/blogs/national-affairs/obama-solicits-designers-to-work-unpaid-on-jobs-poster-20111019
Voir, Art Works a poster contest to support American Jobs : https://my.barackobama.com/page/s/artworks-submission
Voir, Design for Obama: http://designforobama.org
[4] Creative Commons: http://creativecommons.org/
[5] Externalisation ouverte : Pratique qui consiste pour une organisation à externaliser une activité, par l’entremise d’un site Web, en faisant appel à la créativité, à l’intelligence et au savoir-faire de la communauté des internautes, pour créer du contenu, développer une idée, résoudre un problème ou réaliser un projet innovant, et ce, à moindre coût. Office québécois de la langue française, 2010